2025

Willa Mae y yo les deseamos un óptimo año 2025, en que esperamos ver derrumbarse como un castillo de naipes a todos los Estados del planeta, empezando por el del Vaticano.

Alena Nadvornikova (1942-2024)

Desaparece Alena Nadvornikova, una de las figuras de proa del surrealismo checo a lo largo de los últimos cincuenta años. En su número 104 la revista Analogon lo señala, dedicándole un dosier con textos de Frantisec Dryje, Martin Stejskal, Jan Sulc, Bertrand Schmitt y Jaromir Typtl, más una antología suya y un glosario por Robert Kanocz. 

Por mi parte, ofrezco una breve muestra de y sobre ella en inglés y francés, seguida de la entrada que le hice en Caleidoscopio surrealista. Consta esta selección de los siguientes elementos:

1. El capítulo que se le dedicó en la "Anthology of Czech and Slovak Surrealism", Analogon, nn. 44-45 (2005).

2. El relato contenido en el número 3 de S.u.rr... (1999), revista en la que está presente en todos sus números excepto el primero.

3. La reseña de Petr Kral a una traducción francesa de su poesía en el número 5 de la misma revista (2005), con uno de sus dibujos y una breve prosa.

4. Algunas de las páginas en que se reproducen textos y creaciones plásticas suyas dentro del capital catálogo Other Air (2012).

Alena Nadvorniková (1942). Poetisa (Praga, Paris street, Voz interior, Memorias de vacaciones, Acciones, etc.), artista y ensayista (Sobre el surrealismo, 1998), figura prominente del grupo checo y eslovaco desde 1974. En Analogon ha publicado ensayos sobre Teige, Styrsky, Medková, el art bruto checo, y también se ha ocupado de la fotografía surrealista checa en Le miroir des fantômes: Discours sur la photographie de Milan Napravnik, Alois Nozicka, Vilem Reichmann. En S.u.rr… han aparecido poemas, dibujos y el gran relato “Espacios y lugares misteriosos (Emociones y afectos de la infancia)”, donde describe la casa de su familia vista como “un monstruo, un conjunto híbrido, grotesco e inquietante, compuesto de partes incoherentes”. Petr Kral tradujo al francés en 2004 el poemario Anebone/Ou bien non. En 2011 se publicó una monografía sobre su obra plástica, con textos en checo y francés de Bertrand Schmitt, Roman Erben, Vratislav Effenberger, y al año siguiente apareció su poesía completa en el volumen Poesie, acompañada de dibujos. Other air la representa profusamente, con textos sobre sus dibujos y pinturas de Schmitt, Stejskal, Svab, Gabriel, Solarik y Dryje, y muchos dibujos, “sueños encapsulados”, poemas que organiza en series (como los escritos a ritmo ferroviario) y una reflexión sobre los sueños mediúmnicos, lanzados en los primeros años del siglo XXI por ella y Svankmajer. Su figura es enfocada en el VI capítulo de la antología del surrealismo checo y eslovaco (Analogon, n. 44-45), con bibliografía exhaustiva, dibujos, el ensayo “Conocimiento surrealista” y una nota de Frantisek Dryje.

Apollinaire y el surrealismo (2)

1950: Marcel Jean no podía olvidar a Apollinaire, con su lema "Yo maravillo", en su heráldica surrealista:

En Portugal, a los pocos años del Almanach surréaliste du demi-siècle, Joăo Rodrigues, quien ha ilustrado La filosofía en el tocador, lo hace también con Las tetas de Tiresias:

Gómez-Correa, en 1955, selecciona, prologa y traduce Alcoholes, para las legendarias Ediciones Mandrágora. Mucho tiempo después, le responde así a Hernán Ortega Parada cuando le pregunta por Apollinaire: "A Apollinaire lo considero un gran poeta moderno que ennobleció mucho el lugar común, las voces de la calle, los dichos, la conversación. De ahí salieron todos los poetas, de las conversaciones con él y todas esas cosas, y le dio mucha soltura a la poesía. Apollinaire es fundamental en la actual poesía. Los surrealistas le deben mucho, desde luego que hasta la palabra surrealismo". 

Al año siguiente, Asger Jorn pinta su Retrato de Apollinaire, de sabor ubuesco:

En ese mismo año, Jean-Jacques Lebel, inspirándose en un sueño, hace un Retrato de André Breton y Guillaume Apollinaire, que no conozco. Y en 1958 pinta Toyen su serie sublime Las siete espadas desenvainadas, título tomado de Apollinaire (es un verso de La canción del mal amado), que le ha sugerido Georges Goldfayn. Toyen era una enamorada de su poesía y moriría, como él, un 9 de noviembre.

Ya en 1968 (cincuentenario de su defunción), he aquí la casa de Apollinaire vista por Georges Malkine, una más en su galería visionaria de casas de habitantes ilustres:

El mismo año, Conroy Maddox hace este óleo con collage, Reflections on Prince Vibescu, celebrando al depravado personaje de Las once mil vergas:

Y también de este año es la "gorra de poeta civil para Apollinaire" que le esculpe en cartón y papel Maurice Henry:

En Londres, el Instituto de Artes Contemporáneas (ICA) celebraba el cincuentenario con un Homenaje a Apollinaire, mismo título que daba Roland Penrose a su colaboración:

De esos años debe ser el Retrato premeditado de Guillaume Apollinaire de Jean-Claude Silbermann, pero lamento no tener sino esta floja reproducción en blanco y negro, fotocopiada in illo tempore de algún libro sobre el surrealismo:

Apollinaire y el surrealismo (1)

Apollinaire es otro de los hontanares del surrealismo, y su obra sigue bien viva, pero en este caso vamos a limitarnos a mostrar algunos homenajes e inspiraciones poco conocidos. Sin embargo, no podemos abrir el fuego sin recordar su ascendencia en los orígenes del surrealismo (muy bien estudiada) ni estas dos obras, de 1914, Chirico (Retrato de Guillaume Apollinaire), y 1917, Picabia (Guillaume Apollinaire), respectivamente:

También ha sido suficientemente explorado el caso visionario del retrato de Chirico (por cierto que la noche antes de escribir esto soñé con un libro que se titulaba Je Hebdoméros Hicycle), y no olvidemos este ready-made de Duchamp, de 1916-1917 ("Este es otro ready-made asistido. Cambié las letras de un Sapolin Paints, escribiendo con faltas de ortografía intencionadas el nombre de Guillaume Apollinaire y también añadiendo el reflejo de la cabellera de la niña en el espejo. Lamento mucho que Apollinaire nunca haya llegado a verlo"):

En cuanto a Breton y Apollinaire, a quien consideraba "el lirismo en persona" y "el más grande poeta de este siglo", baste recordar su artículo de 1917, al punto recogido en Les pas perdus, y mucho después, en 1954, el de Perspective cavalière. Para Péret sería decisivo el descubrimiento de su poesía, como posteriormente para otros surrealistas, como por ejemplo Aldo Pellegrini o Jean-Claude Silbermann. Desnos escribe en 1923 "Apollinaire y los otros", y Aragon le da entrada en Aniceto o el panorama, relato, 1921, como Marqués della Robia. Añadamos que en el juego de las calificaciones de Littérature (donde se publicaron textos suyos), obtiene un 12'45, dándole Gabrielle Buffet la puntuación maxima (20), Aragon un 18, Fraenkel un 17, Breton un 14, Soupault un 13, etc.

Aunque presurrealista, el poetismo checo estuvo muy marcado por Apollinaire. En 1925, diseña Karel Teige la portada de Mujer sentada y en 1926 la de Las tetas de Tiresias:

Esta segunda obra es representada en el mismo año por el Teatro Liberado de Praga, participando Teige en el escenario. He aquí una foto de la representación:

En 1938, el grupo Reverbères le hace un homenaje, con representación de Les mamelles de Tirésias (Aline Gagnaire hizo el papel de La Dama), y en diciembre de 1943, con motivo del primer cuarto de siglo de su muerte, se inaugura la exposición del grupo La Main à Plume "El tiempo de Apollinaire", acompañada por la publicación Presence d'Apollinaire, que incluye un artículo de Jean-François Chabrun, un poema de Noël Arnaud y este de Léo Malet:

Desde ese año de 1943, Joseph Cornell manifiesta un gran interés por Apollinaire (aunque reconociera que su poesía y la de Mallarmé solo las entendía a medias). The Crystal Cage (Portrait of Berenice) es una torre de palabras que celebra su poesía caligramática y el personaje de Berenice, nombrada en Merveille de la guerre ("Es también la apoteosis cotidiana de todas mis Berenices / cuyos cabellos se han convertido en cometas"):

Ya en los años 50 aparecerán sus cajas de Variétés Apollinaris, en que cristalizaba "la resurgencia de un sentimiento caluroso por Apollinaire":

Un caligrama, publicado póstumamente, era rematado con un "Tout terriblement" que inspira a Victor Brauner en 1948 esta obra maestra, divulgada así por Sarane Alexandrian en Supérieur Inconnu (n. 4, nueva serie, 2006):

Ese mismo año, Aimé Césaire publica Soleil cou coupé, el tercero de sus grandes libros de poesía, cuyo título es el último verso de "Zone". Interesa señalar que en 1964 se titulará así una revista venezolana en la que colaboró Sánchez Peláez y que, con seis números, transitó paralelamente a El Techo de la Ballena; al desintegrarse el grupo de los balleneros, surgió La Pandilla de Lautréamont, contando como nombre común de los tres colectivos Caupolicán Ovalles. Como remate, en 2001 y 2002 hace Corneille un maravilloso portafolio con tres serigrafías que titula también Soleil cou coupé:

Alan Glass (1932-2023)

El pasado año murió en Ciudad de México, a los 90 años, Alan Glass, artista surrealista de una creatividad extraordinaria, en especial por su cajas poéticas, pero también por sus dibujos, pinturas, collages, esculturas, anamorfosis, objetos, ensamblajes, huevos pintados... Actualmente se le dedica una amplia retrospectiva, que es una buena ocasión para que lo recordemos, como hicimos cuando L'Or aux 13 Îles le dedicó un precioso dosier.

La mejor manera de recordarlo, o una de las mejores, es sin duda recorrer, e imposible no hacerlo con entera fascinación, el lujoso libro de Masayo Nonaka que publicó Turner en 2012, más de 300 páginas de gran dimensión con infinidad de reproducciones y un estudio inteligente y profundo de alguien que se había acercado a él con sensibilidad y respeto; ese estudio se divide en los capítulos "Los primeros años", "Los años en París", "Los años mexicanos", "Madurez en México" y "La creación bidimensional", más un interesantísimo epílogo sobre dos obras basadas en fenómenos de azar objetivo: Sorprendente hallazgo, de 2000, construida con objetos relacionados con Nadja, y que fue objeto de un estudio de Gloria Feman Orenstein en el catálogo mejicano de 2003, y Pigall's: A la memoria de Louis Morin y de Marcel Duchamp, elaborada entre 1998 y 2000, y estudiada la cadena de coincidencias que la generó en este libro de Masayo Nonaka (Louis Morin era un artista del cabaret Le Chat Noir, muy admirado por Duchamp). Esta segunda obra se me escapó en mis artículos dedicados a los homenajes a Marcel Duchamp, pero ya está reproducida en su lugar correspondiente, así como A can "can-can" for Marcel Duchamp de 1998, y Picabia, Rrose Sélavy, de 2005:

Recordemos, aunque también esté reproducida, como Pigall's, en el folleto de Phares, la admirable obra dedicada a Nadja:

Concluyo con el homenaje en el número 5 de Le Bathyscaphe, a este artista que ha ido creciendo con el tiempo, ya que ni existe en las gruesas obras de René Passeron, José Pierre, Jean Paul Clébert o Keith Aspley y escapó por los pelos en el Dictionnaire général du surréalisme et de ses environs, siendo menos explicable que la británica enciclopedia internacional del surrealismo lo liquide en quince miserables renglones.

Alan Glass. Alumno de Alfred Pellan, Alan Glass realiza dibujos automáticos y cajas con objetos encontrados, considerándose surrealista y contactando con el grupo surrealista en París. Allí expone en 1958 en la galería de Éric Losfeld Le Terrain Vague (Alejandro Jodorowsky prefacia el catálogo), y allí aparece como uno de los presentes en la ceremonia de ejecución del testamento del divino Marqués, diciembre de 1959. Tras fructíferos viajes a Checoslovaquia, Grecia, la India y el Tibet, vive desde 1962 en México, donde trabó amistad con Leonora Carrington, Kati Horna, Alice Rahon.

Alan Glass es, con Joseph Cornell, el más importante creador de cajas poéticas. En 2001 expuso cajas y objetos en la galería 1900-2000, llevando el catálogo textos de Mimi Parent, Roland Giguère (el poema “Inventario infinito”), Leonora Carrington y Gloria F. Orenstein (refiriendo esta una interesante aventura de azar objetivo). En 2008, el Museo de Arte Moderno de Ciudad de México le dedicó la exposición “Zurcidos invisibles. Alan Glass. Construcciones y pinturas, 1950-2008”, que motivó un homenaje en el n. 5 de Le Bathyscaphe, apareciendo en los años siguientes un suntuoso libro sobre su obra, de Masayo Nonaka y una película en la colección Phares. Con motivo de esa retrospectiva, Alan Glass reafirmó su identificación con el surrealismo y evocó a André Breton como “el hombre más accesible del mundo. Me recibió calurosamente y en seguida propuso una exposición y le encargó a Benjamin Péret llevarme a la galería Le Terrain Vague”. Fue en la casa de Aube Breton donde vio en 1961 una de las típicas calaveras mejicanas de azúcar, que fue el señuelo que lo llevó a México: “Vine aquí por un año, luego regresé a Europa, pero ya no lo soportaba, porque lo encontraba todo pequeño, apretado. Vendí mis cosas y regresé a México”, donde a su justo juicio aún se puede vivir “a la sombrita, no en medio de todo lo que sucede ni asistiendo a todas las inauguraciones. Más bien prefiero estar apartado para ver las cosas con cierta distancia”.

En 2014, el n. 3 de L’Or aux 13 Îles dedicó a Alan Glass un lujoso homenaje, con textos de Alain Joubert, Leonora Carrington y Alejandra Pizarnik y muchas reproducciones, entre ellas la del objeto El festín de los Grandes Transparentes y la de la caja Hacia el oro del tiempo (tributo a André Breton).

"Cornell es como mi hermano, así como los surrealistas son mi familia. Ese es mi árbol genealógico."

La flauta de Rousseau, c. 1980

Rimbaud y el surrealismo (fin)

Comienza el milenio con Jorge Camacho traduciendo las "Vocales" para las Ediciones Ptyx, acompañado el cuaderno de un dibujo y el comentario de la traducción:

En el catálogo de la exposición internacional del surrealismo organizada por Debout sur l'Oeuf  y celebrada en Coimbra en 2008, encontramos este tríptico de óleo y oro sobre tela realizado por  Anasor ed Searom y titulado J'ai seul la clef de cette parade sauvage, arrogante frase que cierra la iluminación Parade, en que, a juicio de Yves Vadé, Rimbaud refiere sus poderes a los efectos del magnetismo:

En 2014, el número 3 de L'Or aux 13 Îles incluye un trabajo de Mauro Placì sobre Rimbaud. Como mi maestro juvenil Octavio Paz decía, mejor citarse que parafrasearse, así que esto fue lo que al reseñar la revista escribí:

"La contribución extraordinaria de Mauro Placì a este número es un artículo capital sobre Rimbaud, y baste decir que si se hubiera publicado en tiempos de Mário Cesariny, ya yo se lo hubiera hecho llegar a su domicilio. “Rimbaud, modernidad por contumacia”, es un ataque necesario a la apropiación “moderna” del más salvaje poeta del siglo XIX, y que yo sitúo por encima de todos los de cualquier época. Mauro Placì denuncia el “festival de buena voluntad” que ha consistido en falsificar la obra de Rimbaud con miras a convertirlo en inofensivo, a aseptizarlo con el sello de lo “moderno”, cuando en Rimbaud esta noción, como demuestra Mauro Placì, aunque ya lo supiera quien no se haya querido engañar, es totalmente negativa. Huir de lo moderno, o socavarlo, es lo único que puede interesarnos, y Rimbaud es a la vez antimoderno y revolucionario, la negación absoluta del “confort” de Occidente, de sus principios fundacionales y ecuménicos y de todo conformismo. El admirable trabajo de Mauro Placì, sólidamente documentado, se abre con una valoración del “silencio” rimbaldiano, convertido por algunos en “verdadero acto de consagración de los sacrosantos valores modernos”, y refuta en seguida la lectura que hace Yves Bonnefoy de “Saldo” como la “liquidación de todas las esperanzas de Rimbaud” (lo mismo diría Jose Pierre, y con la misma intención de conducir el pensamiento rimbaldiano a una resignación final). El texto de Mauro Placì es capital porque viene a cercenar todas las interpretaciones que han privilegiado esa supuesta liquidación, prefiriendo apoyarse en unas palabras de René Char: “Rimbaud es el primer poeta de una civilización aún no aparecida”, a lo que Placì añade: “Esa civilización no es la nuestra y sin duda no aparecerá jamás”. ¿O es la civilización que ha intentado e intenta encarnar el surrealismo, en su desafiante postura, como era la de Rimbaud, de “un rechazo sublime, altivo y puro de todo compromiso”?"

Un célebre pasaje clave de Rimbaud, en La Graphicha de André Mimiague, 2019:

En 2020, otra impostura contra Rimbaud recibió esta declaración, impulsada por François Leperlier:

En el mismo año, Carlos Barbarito publica Materia desnuda, con ilustraciones de Víctor Chab; el poema "Rimbaud" puede leerse en este enlace, junto a los dedicados a Baudelaire y Mallarmé.

También de 2020 es este collage de Alberto Mayol, que no duda en incluir a Rimbaud en su "Tarot de los ases":

Y de 2022 el de Lou Dubois para la varias veces citada conferencia de Sarane Alexandrian sobre André Breton "descubridor y redescubridor de libros":

Concluimos con este "retrato encontrado" de Rimbaud, por Sasha Vlad (ya conocemos el de Sade, impresionante, y espero en un futuro dar a conocer el de Péret):

Lo dijo Louis Aragon en 1919 con palabras que me parecen siguen igual de vigentes: "Les œuvres de Rimbaud, Lautréamont et Jarry constituent l’expression suprême de l’art, de l’humour, de l’amour; elles seront les seules appelées à influer sur l’art à venir, tant que cet art conservera quelque pureté".